DISTINTOS AUTORES, DISTINTAS PERSPECTIVAS

Holaaaaaa holaaaa!

Hoy os traigo una entrada diferente. Con motivo de las exposiciones que tenemos que hacer cada alumno de la clase sobre un autor que se nos haya sido asignado, voy a comentar las obras que más me han llamado la atención. ¡Espero que os guste!

Son muchos los autores que utilizan el óleo en la realización de sus obras de arte.                              Esto se debe a que el óleo es una de las mejores técnicas que se conocen para pintar profesionalmente. Se trata de una mezcla de resinas y aceites con pigmentos. Los aceites le aportan fluidez, y con los pigmentos, la pintura se vuelve más dura y espesa. Las pinturas al óleo aportan mucha capacidad de creación porque nos permiten dar lugar a muchas tonalidades y la calidad de los colores es muy alta. Se puede trabajar despacio porque se seca lentamente, lo que permite hacer degradados, fundidos y sombreados. Pero sobretodo el éxito recae en que una vez seca, la pintura continúa teniendo un color vivo y potente, gracias a sus bases aceitosas.

Algunos de los pintores que convierten dicha técnica en su favorita son Reger Van Der Wyden, Leonardo da Vinci, Velázquez…

Roger Van Der Wyden “El Descendimiento de la Cruz”.

  

Fuente: Google Imágenes

Leonardo da Vinci “La Gioconda”

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Diego Velázquez “Las meninas”

Fuente: Google Imágenes

Dan Flavin

Este autor especialmente me ha llamado la atención porque para crear sus esculturas utilizaba luces fluorescentes y colores, colocando las luces en la esquina. Con este arte busca convertir las obras en conocimiento y que el espectador haga su propia reflexión sobre la obra.

Fuente: Google Imágenes

Andy Warhol fue un fotógrafo estadounidense que dio origen al movimiento de "Arte Pop" (Pop Art). Se hizo mundialmente famoso por realizar cuatro retratos bicolor de Marilyn Monroe, jugando con el contraste de los colores, utilizando especialmente colores neón y fluorescentes. 

Así, es posible crear mosaicos de fotografías al estilo de dicho autor.

Yo de pequeña, pero no en la asignatura de plástica, sino en la de informática, realicé un mosaico con 4 fotografías al estilo Andy Warhol con Photoshop.

Al no encontrar dichas cuatro imágenes, mostraré un ejemplo de ello con una agenda que nos regaló la profesora con el retrato de todos los alumnos de la clase, en la que se puede mostrar dicho efecto.

Ahí va!😆

Frans Hals: Me ha parecido muy interesante el hecho de que este autor fuera capaz de plasmar en sus cuadros la psicología de los personajes, al igual que Dyck y Rubens. Es increíble, porque cualquier persona observando la obra puede llevar a saber cómo se sienten las personas de dichos cuadros.

Un ejemplo de ello es la obra “El alegre bebedor”.

Fuente: Google Imágenes 

El propio personaje central mira de frente y saluda sonriente, de ahí el nombre del cuadro.

Está trabajado en una gama de colores claros, con la única nota oscura del sombrero, transmitiendo vitalidad y optimismo.

El Bosco: Me ha chocado el hecho de que este autor al principio no fechara ninguno de sus cuadros,pero más aún que muy pocas de sus obras llevan su firma. Por esta razón no se le puede atribuir con absoluta certeza ningún cuadro de su época inicial. Cuando adquirió un amplio prestigio en Bélgica, empezó a firmar sus obras bajo el nombre de "Bosch" o "Iheronimus Bosch", apelativo que no se le dio en su lugar de nacimiento (Holanda), sino que hace referencia a su residencia (Flandes)
Pintó en su mayoría trípticos, en los que destacaban las autoridades eclesiásticas y los pecados cometidos. Su intención al crear las obras fue moralizante, es decir, intentaba transmitir un mensaje moral.
Un ejemplo de ello es la obra “La nave de los locos”. Forma parte de un tríptico pero fue cortada. En ella se puede observar el pecado de la gula, la lujuria de los cargos eclesiásticos. En el árbol el diablo visiona su triunfo: ha conseguido transformar la sociedad.

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Johannes Vermeer: Al igual que mi autor asignado, Claudio de Lorena, este artista mayoritariamente pintaba para encargos . Este hecho era muy habitual en el periodo barroco, al que pertenecían ambos pintores.

Joan Miró: Me ha llamado especialmente la atención el lenguaje único, personal y abstracto con el que realiza sus composiciones. Esto es el estímulo del expresionismo abstracto que descubre en su formación en Nueva York.

Destacó tanto en la pintura como en la escultura, ya que fue en este último ámbito donde por voluntad propia quiso superar los límites estrictos de la pintura. Simboliza el más puro espíritu provocador del surrealismo.

He elegido la escultura de "La Caricia de un Pájaro" (1967).

Miró es quien introduce el color en la escultura. En este caso, y al tratarse de una escultura de bronce pintada, consigue disimular el metal bajo una capa de color intenso.

Fuente: Google Imágenes